Minimalismo por Angel Aller

Minimalismo: Antes de tratar con más profundidad obras pertenecientes a estilos más modernísticos de la música clásica que se corresponden con la época en la que estamos viviendo (a pesar de que ya se han analizado unas cuantas), cabe explicar más a fondo los movimientos propios para una mejor comprensión. De una vez por todas, propongo, de firme propósito (válgame la redundancia), y debido a todas las opiniones y polémicas que levanta, analizar a fondo el estilo minimalista y quien forma parte de él y quién no. Así que, comencemos pues.  -El origen, historia/s, verdades y mentiras:   En absoluto tiene por que ser tan complicado buscar un origen para el minimalismo musical. Muchos se remontan al impresionismo, es decir, a las obras de Erik Satie y su maestro Debussy, un tanto experimentales y meditativas. Otros, sin embargo, se van directamente a la expresión contemporánea y allí citan una gigantesca cantidad de ejemplos, no muy correctos, como Morton Feldman, Anton Von Webern, Karlheinz Stockhausen, etc. Pero casi todos se ponen de acuerdo en un nombre: John Cage. ¿Y porqué? Pues por que Cage creó una pieza musical única e innovadora (pese a ser tan sencilla, a nadie se le ocurrió antes): el 4´33´´, que no poseía sonido alguno durante esa duración. La crítica se apresuró a llamarle minimalista y a postrar a su autor como el tótem de este estilo, cosa que, sin embargo, no es cierta. El propio Cage no se consideraba minimalista, ni él ni ninguna de sus obras (pese a que es una referencia clave para los músicos de la “auténtica” vanguardia minimal y los estudiosos de ella), es más, su 4´33´´, se acerca más a la anarquía que a la forma mínima, por lo que no hay ningún indicio en esta obra para clasificarla dentro de algún estilo. En cuanto a Feldman, su música intentaba reflejar una abstracción que se encuentra presente en los dibujos de su amigo Mark Rothko y en la música de Cage,  Webern en absoluto admite comparación con la corriente “mínima”, ni el propio Satie, ya que su música buscaba asemejarse a “miniaturas” musicales, pero no refleja en absoluto la esencia de esta música.  Con lo cual es obligación aclarar que estos autores pueden haber hecho alguna obra que parezca minimalista (especialmente los contemporáneos que vivieron el nacimiento del estilo),  y que hayan sido “inspiradores” de este término para los críticos o aficionados, pero no para los músicos del movimiento. Es muy improbable, entonces (como se verá después) que la partitura minimalista haya salido de algún entorno serialista, ya que la vanguardia minimal nació como un rechazo de este estilo.  Primero, aclaremos el término. Mucho antes que en la música el minimalismo existía en otras disciplinas, tales como arquitectura, moda, pintura, performances, etc. que comenzó con el manifiesto del arquitecto holandés Mies Van der Rohe “Less is more” (Menos es más), aunque en música la mayoría de las fuentes (y compositores) citan a Michael Nyman como el acuñador del término en su etapa como crítico.  En esto difiere Philip Glass, uno de los músicos considerado fundador y de los pocos que hoy en día predica con esta corriente, que se lo aplica al músico (y, durante un tiempo, articulista en el Village Voice) norteamericano Tom Johnson. Esta es la definición de minimalismo (sacada de su página web) de este último, que, aunque cita, al igual que su homólogo inglés, ejemplos que poco tienen que ver con la música minimal, se ha convertido en una de las más fiables:   La música minimalista es una categoría extendida y diversificada que incluye, por definición, toda la música que funcione a partir de materiales limitados o mínimos; las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de güisqui. Ello incluye las obras que sostienen un simple gruñido electrónico durante largo rato. Las obras exclusivamente constituidas de grabaciones de ríos o cursos de agua. Las obras que evolucionan en ciclos sin fin. Las obras que instalan un muro estático de sonidos de saxofón. Las obras que implican un largo lapso de tiempo para evolucionar de un tipo de música a otro. Las obras que abarcan todas las alturas posibles a condición de que estén comprendidas entre do y re. Las obras que reducen el tempo hasta dos o tres notas por minuto.   Quizás las formas mas antiguas de minimalismo o de reductivismo son en realidad de artistas visuales como Malevitch y de otros adeptos al suprematismo en Rusia y en Polonia, o bien de Mondrian, que trabajó algunos años más tarde en Holanda, con un mínimo de colores y de formas. O incluso de la escuela de minimalismo en la escultura, que , en el curso de los años cincuenta en Nueva York, usa las formas simples de cuadrados y cubos. Artistas como Sol LeWitt y Carl André pertenecen a esta corriente. Las Vejaciones de Erik Satie, con sus 840 repeticiones, y la pieza silente de John Cage, 4'33", constituyen dos primeros ejemplos musicales, a pesar de que este punto de vista no fue extensamente adoptado hasta los años 60 y 70, cuando puede ser observado en numerosos lugares, con la influencia clara de las artes visuales.  Los bordones del americano La Monte Young, la serie de Presque rien del compositor francés Luc Ferrari, los motivos repetidos del americano Terry Riley, las texturas diatónicas simples del estonio Arvo Pärt, las composiciones estáticas del compositor polaco Tomasz Sikorski y los cánones rigurosamente circulares del húngaro Làszlo Sàry no son más que algunos ejemplos de la producción de numerosos compositores que han escogido desde esta época explorar el microcosmos en vez del macrocosmos.   Ciertos autores han escrito "minimalismo" con una M mayúscula, y han declarado que es la invención de un compositor en particular, de una escuela o de una nacionalidad, pero el término deberá ser considerado como una categoría general, como la "multimedia" o la "música por ordenador", más que como un estilo específico. Nyman, sin embargo, empleo el término para designar a músicos como Terry Riley y otros. Muy recomendable para comprender su aplicación es la entrevista suya con Philip Glass en 1.976 , donde, para definir lo que él entendía como minimalismo en música, aplicó un escrito de Sol LeWitt (“Párrafos sobre el Arte Conceptual”) con otro de Steve Reich (“La música con tanto que proceso gradual”). También es única la antología de textos recogidos por La Monte Young y su esposaMarian Zazeela en “An Antology”, de 1.962. Ahora bien, el origen de la partitura sigue siendo discutible, pero puede percibirse muy claramente. El minimalismo nace con la vanguardia americana de mediados de los 60, los ya nombrados Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y La Monte Young. Todos ellos han nacido a mediados de los años treinta, tienen tras de sí una amplia formación académica, han trabajado juntos (caso de Riley y Young o Glass y Reich), rechazan el serialismo europeo de la época y, más que en la propia música del estándar clásico, encuentran la inspiración en el clasicismo étnico (por ejemplo: Glass tomó las músicas hindúes de la mano de Ravi Shankar y las aplicó a su propia partitura; La Monte Young bebe del teatro japonés; Reich adoptó ritmos de Ghana, Costa de Marfil y Bali; Terry Riley  se remite a los compositores vanguardísticos europeos y al jazz, él y Young son discípulos del hindú Pandit Pran Nath;  junto al “supuesto” minimal John Cage, que profesaba el budismo zen y su filosofía). El minimalismo se basa (su composición) en la repetición del material más básico de una obra, sea éste rítmico, melódico,... junto a otras características: vuelta a la tonalidad, simplificación de las formas, empleo privilegiado de los elementos de percusión, etc. Por lo tanto, cabe por fin aclarar términos ya y definitivamente diciendo que, minimalistas, solo son los músicos americanos que cambiaron las ideas desafiando al serialismo, como los ya nombrados (Riley, Glass, Reich, Young), junto a otros que, si bien no han dedicado su música a este estilo, si saben lo que realmente es debido a su labor (musicólogos, críticos, etc.), y han hecho obras (aunque solo sea una pieza, o un disco, como muchos de ellos) para acercarse a este movimiento por que lo conocen profundamente, es decir, aquellos que forman el que se podría llamar minimalismo “de intención” (Wim Mertens,Michael Nyman, John Adams, Penguin Cafe Orchestra), porque buscan este estilo intencionadamente. A partir de ahí, todo lo demás es francamente muy dudoso, ya que se ha pasado por una etapa donde se pretendía llamar minimalista a todo aquello que tuviera una repetición en su partitura o que no tuviese una melodía claramente identificable, y no se debe confundir el término minimalismo (aplicado a la música) con mínima expresión. Bien, a lo que íbamos:  ¿cuándo comenzó el minimalismo musical escrito? fácil respuesta. La partitura que se consideró totalmente en este estilo y que fue la que inspiró a los 2 únicos músicos que siguen hoy en día manteniendo esta vanguardia “con pesquisas” (que son Glass y Reich) fue el “In C”, de Terry Riley. Surge en 1.964, como reacción contra la atonalidad académica de esa época. Según Riley, la obra está escrita para “un número indeterminado de instrumentos melódicos”. Así, sobre un pulso constante, que va acompasado con el del corazón humano, cada músico toca una secuencia de 53 motivos, repitiendo cada uno un número no determinado de veces. El instrumentista decide en la interpretación cómo relacionar su parte con las restantes. Consigue una multitud de combinaciones sonoras en la cual los ritmos están en constante cambio, y que puede durar eternamente. Riley, que no sabía lo que acababa de descubrir, dijo de el “In C”: “está música nos ha enseñado un nuevo sentido del tiempo”. -De América a Europa, los principales del movimiento:    El movimiento minimalista, como bien se ha visto, nació en los EEUU, a pesar de que su creación tiene una parte intrínsecamente europea (surgió, como se ha explicado, por reacción al serialismo de la escuela alemana de Darmstadt), y al término se le discute su autoría a un inglés, como es Nyman. Vamos a cifrar a los autores más destacados de cada bando.  En América: - La Monte Young y el sonido multiétnico:  Se define a sí mismo “como una apocalipsis sin principio ni final”. Su obra “Dream House” es un proyecto de permanencia, y su sistema tonal está fraccionado en microtonos al estilo hindú y oriental, reposando en la repetición de un grupo de notas que generan frecuencias armónicas de un único tono. Para él, la función de la pieza repetitiva es, básicamente, no representar nada fuera de si misma. Es el menos conocido de todos, sus discos son un casi imposible de conseguir, y su música se puede tachar como la más complicada y radicalista del movimiento minimal, pero de lo más interesante y distinta. Basta como ejemplo la obra “1960 nº7”, que se articula en dos notas, si y fa, y tiene una única indicación en la partitura: sostener la nota durante “mucho tiempo”. O en “1960 nº 10”, en la que se pide al intérprete que “dibuje una línea recta y la siga”. Su obra (en este caso plural) más importante es “The tortoise, his dreams, and journeys”, iniciada en 1.966 , concebida dos años antes para que sonase indefinidamente en las antes nombradas “Dream Houses”, las casas de sueño diseñadas para su representación por el propio compositor y su esposa. - Philip Glass, o la eterna fidelidad de un genio:   No es el iniciador, como ya se ha dicho, pero para muchos es todavía más, ya que es de los pocos que se iniciaron y no ha abandonado totalmente el movimiento, además  de que sus notas siguen resultando originales.  Considerado el “abuelo” del minimalismo por aficionados y compositores (ante la “espantada” de Riley, que podía haber sido reconocido más justamente de no haber cambiado de estilo, o la reclusión de Young)  que lo veneran y se inspiran en él para componer estructuras, es el más prolífico con diferencia.  En su caso, su música está aplicada a un proceso rítmico a las líneas melódicas, lo que le proporciona continuidad y un sinfín de vibraciones regulares, que entrelaza los módulos establecidos. Su obra progresa en una sola línea (”Music in Unison”), y va hacia paralelos desplazados (“Music in fifth”, “Music with changing parts”, “Contrary motions”).  Considera que la música debe ser escuchada como un puro sonido que pasa, ya que la concibe como una experiencia del tiempo diferente. Su obra (minimalista) más importante es “Music in twelve parts”, de 1.976. -  Steve Reich, el más depurado:   Paradójicamente, es el autor que más obras tiene de vanguardia y que puedan considerarse plenamente de estilo “minimalistas”, y que también sigue en activo aunque ha bajado su ritmo de composición considerablemente.  Para él, lo que debe caracterizar al proceso musical es que una vez creado marche por sí mismo, y así, la música es un proceso lento y gradual que debe escucharse cuando se genera. La importancia del timbre en este autor y minuciosos tonos modales se rigen en obras como “Piano Phase” (1.967), “Phase Patterns”, o “It´s gonna rain” (1.965), claves en la evolución minimalista, y sus estudios vanguardísticos en  grabaciones como “Different trains” (1.988). Sus obras más importantes son “Music for 18 musicians”, de 1.976 (que, tal como su nombre indica, está creada para este número de músicos, que por aquellos años constituían la Steve Reich Musicians), y “Clapping music”, de 1.972, donde solo se oyen cuatro manos que palmean con regularidad y forman una melodía.  - Terry Riley, la pérdida de ilusión:   Con cierta retórica ecologista, fue el iniciador de la corriente y la partitura minimalista, pero, más tarde, su música sufrió un revés inexplicable que le ha llevado al desprestigio y del que parece estar recuperándose. De realizar el “In C”, ha acabado relacionado con la música electrónica tecno y otras variantes, pero no se puede olvidar esta obra, ni que gracias a ella la música cambió, ni sus relaciones con el Kronos Quartet, ni sus comienzos (“A rainbow in curved air”, “Song for the ten voices of the two prophets”, etc.) que ya han creado historia.  - John Adams, entrada tardía pero muy válida:    También de formación académica prestigiosa (Harvard, donde se graduó Cum Laude en Música y Composición), director durante años del Conservatorio de Música de San Francisco, estas relaciones, junto a la de otros artistas, le sirvieron para sacar obras como “Nixon in China”, de 1.987, que hicieron subir su fama como la espuma. Pero, su obra más representativa en el minimalismo es “Harmonielehre” (1.985), donde intenta seguir la música repetitiva basada en una armonía tradicional, utilizando la forma de una gran orquesta sinfónica. En Europa: - Michael Nyman, la arrogancia escenificada: Reputado autor de BSOs (que es a lo que prácticamente se ha dedicado desde que conoció al director Peter Greenaway), antes de empezar en este campo, cabe destacar su especial estudio de la música folklórica rumana, sus libretos de ópera, y, sobre todo, su carrera como crítico, que le impulsaron al status “minimal”. De su música, se pueden citar obras como las BSOs de “El contrato del dibujante”, de 1.982 o “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante” de 1.989, como aquellas que poseen cierta carga psicológica y que respiran el aire de la partitura mínima, pero que están muy asentadas en estilos musicales anteriores, ya que de todos los europeos es el que más relaciones establece con la música americana, que la considera única en su contexto. Así pues, como compositor minimalista tiene poco que decir, ya que con la mayoría de sus obras que no son para filmes (“The kiss and other movements” de 1.985, etc.) ocurre, al igual que con los “presuntos” minimalistas ingleses, que, en su afán por unificar el arte y sus etapas, se acercan más a otros ismos, como el expresionismo o el romanticismo, pero no al minimalismo propiamente dicho. - Gavin Bryars, una obra mayor:  Gavin Bryars tiene en su haber una de las mayores obras representantes del minimalismo europeo, y de las únicas del Viejo Continente que se pueden adscribir con todo derecho a este estilo, que es “Jesus blood never failed me yet”, de 1.974, y que consiguió plenamente acertar con la forma que sus otros compañeros no consiguieron concretar. En ella se oye la voz de un vagabundo repitiendo esta frase continuamente, lo cual parte de un documental de Alan Power, donde Bryars, que ayudó a su amigo a hacer la mezcla, hizo un loop con una parte de la canción y fue introduciendo progresivamente distintos instrumentos, creando así una voz repetitiva, única, que caló hondo en las conciencias de quienes han compartido su escucha. Se le puede otorgar, perfectamente, el título de obra cumbre en el minimalismo europeo y lo que éste quiere representar. - Wim Mertens, musicología aplicada sin caer en la pedantería:  Admirador de Reich, Glass, Nyman, escritor de un libro clave para comprender la vanguardia norteamericana (“American Minimal Music”, 1.980), su música surge a principios de los 80, creando un estilo que, basándose en la circularidad sonora, desmarcándose del americano, es mucho menos árido y agradable de escuchar, lo que favorece también a las ventas. Debido a esto, su obra se ha querido encauzar a otros estilos con los que nada tiene que ver, al igual que con otros compositores, por parte de pésimos críticos y falsos periodistas que pretenden con ello ganar dinero fácil. Su principal obra es “Jérémiades” (1.995), en la que utiliza su propia voz acompañada del piano.  Cabe decir, como ya se ha repetido antes, que este movimiento no pudo calar muy hondo en Europa debido a la mala unión que se hizo con otros géneros, pero hay un puñado de músicos que también hay que tener en cuenta, y que, aunque no formen parte del estilo clásico propiamente dicho, si han tenido relación directa con él y lo practican. Uno de ellos es Brian Eno, famoso productor, que ha aplicado la técnica minimalista a sus composiciones electrónicas, consiguiendo buenos resultados, y que ha trabajado con Glass. En España:  El minimalismo (como el resto de vanguardias sonoras) tuvo poca presencia en España, pero alguna bastante importante. Como, por ejemplo, Eduardo Polonio, que participó en el estreno mundial de “In C”, y que estudió en Darmstadt junto aStockhausen, tiene importantes obras como “Para una Margarita Ronca” o “Rabelaisiennes”. El valenciano Llorenç Barber también intentó la experimentación por medio de las obras de La Monte Young, como el singular concierto para campanas “Tintinábules”. Y en Barcelona, surgirían músicos como Carles Santos, importante por su música diferente a toda cuanta se está haciendo en el país y que sigue de plena actualidad con su último disco, “L´adeu”. -El minimalismo en la actualidad:  Hoy en día, algunos (los más desorientados) citan una tercera generación, la formada por músicos como Geoff Smith, etc. Otros defienden el estilo e intentan modernizarlo llamándole “rock de cámara” (¿?), englobando autores como Goudé,Tiersen, etc., aunque muchos no se merecen, desde luego, esa horrible denominación. Otros predican el llamado postminimalismo o minimalismo feliz, y que engloba una serie de grupos belgas, franceses y holandeses que intentan seguir el estilo de la Penguin pero que nada tienen que ver con la corriente minimal. Como bien dijo Nyman, el minimalismo hoy en día ya no existe, desapareció cuando los respectivos fundadores fueron cediendo el paso o cuando abandonaron su dedicación exclusiva para probar con otros estilos (caso de Riley), o dedicarse a un campo musical diferente. Por lo tanto, hoy puede que muchos músicos sigan experimentando con la estructura minimal, pero no son lo que en aquellos tiempos fue el auténtico sonido minimalista, lo que no les hace perder su interés y su mérito, aun así. De todos modos, cabe tener el minimalismo como algo importantísimo y, si de hecho es hoy en día cuando por fin se empieza a valorar, fue por que gracias a él se acabaron las aburridas composiciones de casi tres siglos de música tonal y se callaron las bocas de los más ignotos (compositores y aficionados), musicalmente hablando. Con lo que es muy recomendable escuchar música de Nyman, Mertens, Glass, etc., para descubrir que la música clásica y la vanguardia nunca mueren. DISCOGRAFÍA RECOMENDADA: - “In C” - Terry Riley. -“Music in 12 parts” - Philip Glass. -“Music for 18 Musicians” - Steve Reich. -“Jesus blood never failed me yet” - Gavin Bryars. -“Jerémiades” - Wim Mertens. -“Theater of ethernal music pretortoise dream music” - La Monte Young. -“Second dream of pretortoise dream music” - La Monte Young. -“Harmonielehre” – John Adams. -“El contrato del dibujante” – Michael Nyman. -“Music form the Penguin Cafe” – Penguin Cafe Orchestra. -“Music for airports” - Brian Eno. (y un larguísimo etcétera). AMBIENTE Osment-AMB001 era la referencia que aparecía en la portada del disco "Music for Airports" con que Brian Eno inauguraba su serie Ambient. Era la primera vez que se utilizaba el término ambient music, y la razón era obvia, ya que el disco contenía cuatro pasajes de delicada música ambiental con abundantes silencios. El propio Eno decía en las notas de portada: "El objetivo de la música ambient es inducir a la calma". CRONOLOGÍA A DESTACAR 1888 - Erik Satie compone sus "Gymnopedias", a las que seguirían en 1890 las "Gnosiennes", delicadas piezas de corte impresionista, que han inspirado la obra de muchos ambientalistas. 1929 - Se comercializa el Theremin (en español, en el apartado instrumentos eléctricos), instrumento ligado a la estética spacey.(Aqui podras descargar un emulador) AÑOS 50 - El muzak y la easy listening definen un nuevo campo sonoro: la música periférica, la música del entorno. Un concepto que habría de ser recuperado por el ambient. Además de un estilo, muzak es el nombre de una empresa de Música Funcional (oficinas, supermercados, micros, ascensores... www.muzak.com). Más información aqui (apartado Muzak e Easy Listening). La Easy Listening es también denominada lounge music o cocktail music. Música de fácil escucha que, fundamentalmente en los años 50 y 60, contribuyó a las bandas sonoras de divertidas comedias inofensivas, a ambientar guateques y a alimentar los emergentes hilos musicales. Desde Les Baxter y Esquivel hasta James Last o Augusto Algueró. Es decir, música despreocupada y hedonista, con estribillos infecciosos y coros "daba daba da". Su combinación con la electrónica actual ha dado origen a la escena future listening, en la que destacan Pizzicato Five, Gentle People , Towa Tei, Money Mark o Jimi Tenor. AÑOS 60 - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y el resto de los maestros minimalistas hacen su aparición en el campo de la música seria. Posteriormente, sus hallazgos serían desarrollados por Harold Budd, Jon Hassell, Michael Brook y demás artistas de la escudería EG, la antesala del ambient. 1973 - Se publica "No Pussyfooting", de Fripp & Eno. 1974 - Se publica "Phaedra", de Tangerine Dream, uno de los discos esenciales del rock planeador alemán. 1978 - Brian Eno inventa el término Ambient y le da este título a una serie que comienza con su "Music for Airports". AÑOS 80 - La denominada New Age (Nueva Era) hace prácticamente desaparecer al Ambient del mapa sonoro. La música New-Age tiene sus orígenes a principios de los 70 cuando Mike Oldfield con su disco Tubular Bells hizo un cambio en la comprensión de la música Pop tradicional. Antes de los 70 ha habido gente que se adelantaba a su tiempo pero los primeros que lo hicieron con éxito fueron Mike Oldfield y Vangelis. Posteriormente vendrían otros como Jean Michel Jarre. Todos estos llevan más de 20 años componiedo música electrónica. Algunos discos de estos compositrores son prácticamente Pop pero en general podemos hablar de que hacen música New-Age. En la década de los 80 se hicieron muy buenos discos y es la década en que más se impulsó este tipo de música. La influencia de esta música en nuestra vida cotidiana es grandísima ya que aparece en montones de anuncios de TV, muchas bandas sonoras de películas. En resumen la música New-Age es la mezcla de una serie de instrumentos electrónicos (sintetizadores) que a veces van unidos a instrumentos tradicionales y en ocasiones se mezcla con vocales (cantantes, coros...) pero básicamente es una música solo instrumental. Un ejemplo de la música New-Age más pura es el grupo Himekami que es un matrimonio japonés que tocan solo con sintetizadores. 1989 - Sueño Latino, en Italia, y Mr. Fingers y Virgo, en Chicago, retoman el concepto de música ambiental, ahora aplicada a la música de baile. Nace el ambient house (Chill-House). 1990 - Se publica el álbum "Chill Out", de KLF, un disco fundamental para entender el surgimiento de los chill out rooms. Los Chill Out Rooms son zonas, normalmente separadas de la discoteca central (donde suena la música de baile), habilitadas para hacer una pausa de los ritmos de la música de baile. Se escucha principalmente Ambient e Intelligent Techno, aunque en realidad se puede escuchar cualquier cosa diferente a la pista central). 1995 - El ambient vive una renovada juventud gracias a nuevos fenómenos como el Ambient Dub el Post-Rock o el Aislacionismo. El Ambient Dub es Ambient con ecos y Dub de la música jamaicana; es envolvente y casi místico, un ejemplo THE ORB. El Dub tiene su origen en Jamaica, en las versiones instrumentales de los temas reggae, a los que se añadían ecos y efectos sonoros. Por extensión, el Dub es un género que utiliza las bases del reggae para crear efectos electrónicos, ecos y reverberaciones. El Post-Rock: la segunda mitad de los noventa ha servido de campo de experimentación a grupos que, como Tortoise, Labradford,Seefeel o Kreidler, han aplicado fórmulas electrónicas a una concepción del Rock abierta a nuevos horizontes sonoros, que se olvida de la tradicional formación de guitarra-bajo-batería. Entre la improvisación, el Ambient y la inspiración Dub. El Aislacionismo surgió a mediados de los noventa. Pero frente al escapismo (búsqueda de vías de escape a problemas) y el carácter expansivo del Ambient tradicional, el Aislacionismo optó por profundizar en los abismos interiores, en las texturas dolorosas. Kevin Martin, de Techno Animal, inventó la etiqueta, y Scorn, Jim O´Rourke o el ideólogo David Toop algunos de los que fueron sus más decididos partidarios. Aunque la paternidad del término ambient le corresponde a Brian Eno, lo cierto es que música ambient ha existido desde mucho antes, quizá desde siempre, dada la ambigüedad del término. Pero se podría citar el final del siglo XIX como punto de arranque de la estética ambient, con el surgimiento de Eric Satie, uno de los compositores más discutidos de la historia de la música clásica, quizá debido a su extravagante personalidad. Sus piezas para piano siguen siendo referencias obligadas a la hora de hablar de música ambiental, de música creadora de atmósferas. Sin embargo, hay quien cita al gran John Cage, creador de la música del azar, como inventor del género, gracias a su "Four Minutes, Thirty-Three Seconds", una pieza para piano completamente silenciosa, diseñada para que el público se concentrara en escuchar, únicamente, los sonidos que les rodeaban. Era la primera y más pura composición de música ambiental. Siguiendo las huellas de ambient music, habría que hacer también una parada en los años cincuenta, los años del muzak (concepto creado por la empresa Muzak Inc.) y el tan en boga en la actualidad easy listening *1, géneros ambos que se han enfrentado al más absoluto de los desprecios durante años y que ahora, como casi todo, vuelven a ser recuperados.  Descalificada como música de ascensor, hilo musical, música de aeropuerto o musiquilla de films "cutres", es aceptada ahora como antecedente cool del ambient y del trip-hop. Los discos de Esquivel y recopilaciones como "In Flight Entertainment" (compilada por The Karminsky Experience) o la serie "Ultra-Lounge" constituyen la dieta de muchas fiestas "in" de los 90. En algunos de estos temas, por cierto, se puede escuchar el Theremin, un instrumento que debe su nombre a su inventor, el ruso Lev Sergeyevich Termen, más tarde conocido como Leon Theremin. El Theremin, que fracasó en su intento de comercialización por parte de la RCA en 1929, consiste en una especie de antena que produce un sonido vibratorio y futurista al mover las manos alrededor de su campo electromagnético. Clara Rockwell y Samuel Hoffman fueron algunos de sus principales intérpretes y, tras su paso triunfal por muchos films de Hollywood, en los que el Theremin servía para anunciar "¡peligro, los marcianos se acercan!", fue utilizado por los Beach Boys, Led Zeppelin o Captain Beefheart, y ahora también ha sido recuperado por gente tan diversa como Portishead, The Auteurs, Jessamine, Jon Spencer Blues Explosion o, aquí en España, Jlf. Un instrumento que se adapta muy bien al espíritu ambient. Por otro lado, durante los años 60 y 70, se produce la revolución minimalista en el terreno de la llamada música seria. LaMonte Young (maestro de John Cale), Steve Reich, Philip Glass o Terry Riley elaboran largas piezas a partir de una repetición de líneas musicales simples, que van evolucionando lentamente, creando una sensación de trance en el oyente. Todos ellos han servido de referencia a muchos de los artistas de techno y ambient. Colourbox titularon uno de sus temas "Philip Glass", y recientemente el propio Glass ha colaborado con Aphex Twin. Pero, sin duda alguna, el precedente más inmediato del ambient lo constituyen Tangerine Dream, Ash-Ra Tembple, Cluster, Klaus Schulze y el resto de los "correos cósmicos" alemanes de los años 70. sus largas y planeadoras melopeas sintetizadas están en el origen del chill-out actual, aunque también lo están en el de la new age, género que los no iniciados tienden a confundir con el ambient. Pero las diferencias están muy claras. Mientras el ambient tiende a la experimentación, a la búsqueda de nuevas fórmulas sonoras y a la creación de un cierto estado mental, la new age suele abusar de las armonías más facilonas y simplistas, buscando exclusivamente la relajación del oyente. En 1973 Brian Eno crea junto a Robert Fripp una de las obras capitales del género, "No Pussyfooting", todo un tratado de sonidos espirales e introspectivos, ideal para escuchar con la luz apagada. Poco después, en 1975, tras un accidente de coche que le deja convaleciente en la cama durante una temporada, Brian Eno reflexiona sobre la música como entorno periférico y empieza a madurar la idea de ambient music a la que dará vida a través de sus discos ("Music for Films", "Music for Airports", "Discreet Music", "Apollo", "On Land") y los de los artistas que graban para su influyente sello: Gavin Bryars, Michael Nyman, John Adams o Max Eastley con David Toop, uno de los grandes ideólogos del ambient.  Surge el concepto de "escultor de sonidos" y Brian Eno, en las notas de portada de "Music for Airports" (primer disco que se define como ambient, en 1978), ofrece algunas claves para escuchar la nueva música: "La Ambient Music debe ser capaz de acomodarse a varios niveles de escucha, sin forzar ninguno en particular; debe ser tan ignorable como interesante". Más tarde, señalaría también: "El ambient es como una nube o un río; no cambia mucho, pero no deja nunca de cambiar". Como en tantos otros estilos de música electrónica, la aparición masiva del sampler también tendrá una importancia fundamental en el desarrollo del ambient, al poder utilizar sonidos naturales o fragmentos de otras obras en la creación musical. Finalmente, en 1989 tienen lugar los dos hechos que acercan el ambient a la pista de baile y a los apasionados de la Club Culture (Cultura de Club). Por un lado, Virgo y Mr. Fingers (Larry Heard) publican en Chicago sendos álbumes, "Virgo" y "Amnesia", respectivamente, elaborados con texturas ambientales y leves ritmos house. Por el otro, un colectivo de DJs italianos (Persi, Collino y Gemolotto) publican con el nombre de Sueño Latino un maxi de igual título, en el que samplean el larguísimo tema "E2:E4", de Manuel Gottsching (antiguo componente de los planeadores alemanes Ash-Ra Temple), añadiéndole ritmo de latin house, con similares resultados a los obtenidos por Virgo y Mr. Fingers. Así nace el ambient house, la banda sonora de los futuros chill out romos, en los que el público de los clubs se relaja (habitualmente tirados en el suelo, entre cojines, en una onda bastante hippy) de las duras sesiones de techno de la noche anterior. El concepto de chill out, en todo caso, ha ido evolucionando con el paso del tiempo, y hoy en día es una tierra de nadie en la que cabe cualquier sonido desintoxicante: desde el ambient al trip-hop, pasando por el artcore, el pop, la música disco o el easy listening. La publicación del disco "Chill Out", de KLF, en 1990 es otro de los hechos importantes en la historia del ambient. Se trata de una sinfonía atmosférica, compuesta por pequeñas piezas encadenadas en las que Bill Drummond y Jimmy Cauty recuperan la filosofía planeadora. A partir de ese momento, comienzan a proliferarlos sellos (Apollo, Silent, Fax, Source) especializados en ambient, así como los artistas y proyectos: Biosphere, The Orb, Locust, Sun Electric, el prolífico Pete Namlook, Scanner, Spacetime Continuum,, Global Communication, Heavenly Music Corporation (título de un tema de Fripp '''''Et'''' Eno), Atom Heart o Irresistible Force, que aparecen también en recopilaciones como "Ambient", de Virgin; "Chill Out Or Die", de Rising High; "Ambient Compilation", de Fax; o "From Here to Tranquility", de Silent. No tardarían en aparecer derivaciones del género, y así, en 1992, se publica "Ambient Dub Volume 1" en el sello Beyond, sentando las bases de un sonido que combina los ritmos y efectos del dub jamaicano con las capas de teclados y las texturas más atmosféricas, y que ha sido desarrollado por proyectos como Higher Intelligence Agency, Original Rockers, Banco de Gaia, The Orb, Extremadura, Astralasia o el proyecto Divination de Bill Laswell. Por otro lado, grupos de ambient pop y ambient noise (o ambientcore) como Bark Psychosis, Flying Saucer Attack, Seefeel, Main o Scorn (proyecto de Mick Harris, ex batería de Napalm Death) anticipan la era del post-rock y el aislacionismo. El primero se basa en una recuperación de los postulados vanguardistas del krautrock alemán (Faust, Neu!, Can), , Can), a través de una nueva concepción de la ambient music, que no elude las guitarras ni las voces. Tortoise, Labradford, Gastr del Sol o Pram son algunos de sus representantes. Y en cuanto al aislacionismo, se trata de un término acuñado por Kevin Martín, del proyecto God, y supone un paso más en la evolución del ambient hacia la esencia, una huida hacia el interior, hacia el vacío existencial. Es el sonido de las entrañas. El volumen 4 de la serie "Ambient" constituye una excelente aproximación al aislacionismo: de Paul Schütze a los veteranos Soviet France, sin olvidar a Techno Animal, el colectivo de improvisadores AMM, Scorn, Disco Inferno o los sensacionales Max Eastley Et David Toop, Cuyo segundo trabajo, "Buried Dreams" (Beyond, 94), es un perfecto tratado aislacionista. Finalmente, el future listening, más allá del LoungePop practicado por Combustible Edison o Pizzicato Five, supone una reactualización del easy listening más entrañable, vía house y techno (Towa Tei y su disco de debut) o vía trip-hop (Doctor Rockit). La cocktail nation galáctica. HÉROES 1. David Toop: Si Brian Eno es el capitán, se puede decir que David Toop es el segundo de a bordo. Es, desde luego, uno de los grandes ideólogos del ambient, y ha publicado varios libros sobre el fenómeno, además de multitud de artículos en revistas como 'The Face', 'The Wire', 'Arena', 'Billboard' o 'Spin'. Además, ha desarrollado una amplia carrera musical, formando parte del grupo ALTERATIONS, y colaborando con gente como Steve Beresford, John Zorn o Flying Lizards. En 1975 grabó el disco "New and Rediscovered Music Instruments", junto a Max Eastley, para el sello de Brian Eno. Después de veinte años, volvió a editar un nuevo disco con Max Eastley, "Buried Dreams" (Beyond, 94), una obra descriptiva y casi naturista. Y en 1995 publicó el magistral "Screen Ceremonies", un disco con el que se inauguraba el sello discográfico de la prestigiosa revista 'The Wire', y que supone una apuesta por un ambient exótico y sensual. 2.The Orb:(web no oficial) El proyecto más popular de todo el movimiento ha sido definido como el Pink Floyd del ambient, definición con la que parece estar de acuerdo Alex Paterson, el creador de The Orb. Paterson, que había sido roadie de Killing Joke, miembro de Bloodsport y A&R del sello EG (de donde le viene su pasión por el ambient y el rock progresivo), formó The Orb en 1988 junto a Jimmy Cauty (ex Brilliant y más tarde en KLF), debutando en la recopilación "Eternity Project One" de su propio sello Wau! Mr. Modo. Poco después aparecería el maxi de kilométrico título "A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld", todo un himno del ambient house (chill-house). A partir de ahí, con cambios de colaboradores (Youth, Thrash), Paterson ha publicado discos como "The Orb's Adventures Beyond The Ultraworld" (Wau! Mr. Modo-Big Life, 91), "Aubrey Mixes, The Ultraworld Excursion" (Wau! Mr. Modo-Big Life, 92), "U.F.Orb" (Wau! Mr. Modo-Big Life, 92), "Live 93" (Island, 93), el mini-LP "Pomme Fritz" (Island, 94), "Orbvs Terrarvm" (Island, 95) y "Peel Sessions" (Strange Fruit, 96), en una onda de ambient hippy y con tendencia al dub. 3.Biosphere: El noruego Geir Jenssen (Tromsoe, 1962), alma y único miembro de Biosphere, comenzó su trayectoria como miembro de BEL CANTO, un trío (ahora dúo) que combinaba folk, ambient y new age. Cuando salió del grupo, creó BLEEP, y publicó un único álbum, "The North Pole by Submarine" (Crammed, 90), que fue grabado tras la participación de Jensen en una expedición arqueológica al Círculo Ártico, intentando transcribir el gélido y crepuscular ambiente vivido. En 1993 publica, ya como Biosphere, "Microgravity", combinando tenues ritmos y sonido cósmico. Y al año siguiente edita, también con Apollo (el subsello ambient de R&S), "Patashnik", uno de los más sugestivos discos del ambient. De él se extraería como maxi "Novelty Waves", muy popular al ser elegido como inquietante sintonía para un anuncio de Levis. También ha grabado con Peter Namlook como FIRES OF ORK,. 4.Mixmaster Morris: A él se debe la célebre frase: "I think, therefore I ambient" ("pienso, luego ambiento"). Considerado uno de los gurús del género, Mixmaster Morris nació en Brighton en 1961, y tras una etapa como fan del rock progresivo, se pasó a las filas del punk, y así es como se hizo adicto a la electrónica, al descubrir a Suicide en una actuación como teloneros de The Clash, Creó el proyecto THE RHYTHM METED, pero, tras asistir a un concierto del minimalista Steve Reich bajo Los efectos del LSD, decide crear THE IRRESISTIBLE FORCE y enrolarse como DJ en el Synergy Tour de los Shamen, a los que había conocido a través de la Psychick Youth de Psychic TV. En sus heterodoxos sets de DJ suelen sonar gente como This Heat o Stockhausen, y como The Irresistible Force ha publicado dos magníficos álbumes de ambient místico y spacey, "Flying High" (Rising High, 92) y "Global Chillage" (Rising High, 94). Junto al incansable Pete Namlook graba con el nombre de DREAMFISH. 5.Pete Namlook: (web no oficial) Es, sin duda, el gran estajanovista del ambient. Cada mes, este prolífico artista de Frankfurt publica, a través de su sello Fax, una gran cantidad de discos, en muchos de los cuales está implicado directamente. Comenzó su trayectoria musical tocando el sitar y colaborando con grupos de jazz y new age. Más tarde, empezaría su idilio con la electrónica y el mercado se vio inundado por una serie de discos con portadas muy similares (un círculo, con diferentes variaciones) y con el fax de contacto, que acabaría por convertirse en el logotipo del sello. Pete Namlook ha publicado a lo largo de este tiempo multitud de discos "en solitario" (con nombres como 4VOICE, AIR, SIN, NAMLOOK) o en colaboración con Bill Laswell (PSYCHONAVIGATION), Mixmaster Morris (DREAMFISH), Richie Hawtin (FROM WITHIN), Dr Atmo (SILENCE), DJ Criss (DELTRAXX), Tetsu Inoue (SHADES OF ORION), Geir Jenssen (FIRES OF ORK), Jonah Sharp (WECHSELSPANNUNG), etc. "Ambient Cookbook" es una buena recopilación para adentrarse en su mundo. CLAVES KLF - Chill Out (KLF Communications, 90) Las ovejas pastando en el campo que aparecen en la portada de este disco ya anticipan su contenido relajante y su espíritu hippy. Desde la Trancentral, Jimmy Cauty y Bill Drummond se dedican a componer, compilar, recortar y pegar todos los sonidos que aparecen en esta obra maestra del arte del collage sonoro, concebida como una sinfonía de sintetizadores acolchados, ecos, voces, cencerros, balidos de ovejas, cantos de pájaros, murmullos de arroyos, sampleos distorsionados del "In The Ghetto", de Elvis, dubs, retazos de country y muchos sonidos más. Es, desde luego, un tratado de ambient en sentido estricto. Jimmy Cauty ese mismo año hizo algo parecido, pero en onda espacial, con el nombre de Space. The Orb - The Orb's adventures beyond the Ultraworld (Wau! Mr. Modo-Big Life, 91) Alex Paterson, Jimmy Cauty, Youth y Thrash, con la ayuda de algunos colaboradores como Steve Hillage o el dubmaster Manase, se adentran en el ultramundo y facturan su disco más espacial. Se abre con el espíritu cyberdélico de "Little Fluffy Clouds" y se cierra con el emblemático "A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld", que epitomiza el ambient de los noventa, sideral y explorador. En el camino de uno a otro, te puedes encontrar con "Supernova At The End Of The Universe" (Space Shutle goes hip-hop!), "Back Side Of The Moon" (una odisea lunar), el vibrante "Perpetual Dawn" (en onda Zion Train) o ese "Spanish Castles In Space" que suena al Eno más inspirado y mágico. Biosphere - Patashnik (Apollo-R&S, 94) Geir Jenssen ha seguido las huellas de los grandes exploradores nórdicos, tanto en la vida real como en su faceta musical. En este disco emprende un sugestivo viaje al ambient en sus más distintas tendencias. Desde la tenue polirritmia de "Seti Project" o " Patashnik" hasta la atmósfera inquietante de "Phantasm", con esas voces de niños que todavía la enrarecen más, pasando por la navegación interestelar de "Startoucher", el ambient barroco, casi eclesiástico, de "Decryption", la obligada referencia a Eno de "Mir", el ambient-folk de "En-Trance" o el compulsivo ritmo metálico de "Botanical Dimensions". Y, por supuesto, el funk mutante de su gran hit "Novelty Waves". Ambient 4: Isolationism - Varios (Virgin, 94) El término aislacionismo lo inventó Kevin Martin, de God, que aquí aparece en el nombre de ICE, facturando un fantasmagórico tema de dub-noise. La filosofía aislacionista supone una huida del ambient evasivo y bucólico hacia territorios más angostos, los recovecos interiores, el ruido de la mente. Un angustioso viaje exploratorio, con paradas en el ruidismo de APHEX TWIN, la vena experimentadora de PAUL SCHÜTZE o ZOVIET FRANCE, el exotismo de "O" RANG, el ambientcore espectral de MAIN y SCORN o la revisión terrorista de las fórmulas sonoras de Phil Spector realizadas por DISCO INFERNO. Afortunadamente, también está SUFI (con su ambient íntimo y amable) para aliviar la tensión. Panasonic - Vakio (Sähkö-Blast First, 95) Desde Finlandia, Sami Salo, Mika Vainio e Ilpo Väisänen vuelven a la esencia, al ruidismo inicial de los futuristas italianos. Para los que pensaban que el aislacionismo era la última frontera, conviene señalar que este disco, grabado enteramente con instrumentos analógicos, va mucho más allá. El ruido considerado como el auténtico ambient. Un reto subyugante y terrible al mismo tiempo, que Panasonic logran llevar a buen puerto en un disco intrigante, poblado de silencios y chirridos más allá de lo permisible, de sonidos subacuáticos y engranajes de maquinarias, de ritmos en su más estricta desnudez, de murmullos de motores y de discos rayados. Gélido y fantasmal.   Empezamos ...con Brian Eno